Faire Vergütung von Musikern: Welche Herausforderungen müssen bei KI, Streaming & Co überwunden werden?

Musik begleitet den Alltag, sorgt für Stimmung, erzählt Geschichten und ist für viele Menschen Beruf oder sogar Lebensinhalt. Doch während Musikfans heute mit ein paar Klicks Millionen von Songs hören können, sieht es für die Künstler selbst oft ernüchternd aus. Der digitale Wandel hat die Art, wie Musik konsumiert wird, völlig umgekrempelt. Geld verdienen damit? Schwierig. Viele Musiker finden sich in einem System wieder, das ihnen zwar Sichtbarkeit, aber kaum finanzielle Stabilität bietet.

Streaming-Plattformen bestimmen den Markt und gleichzeitig drängt Künstliche Intelligenz mit algorithmisch generierten Songs nach vorne, während das Urheberrecht der Technik hinterherhinkt. Für Musiker wird es immer komplizierter, ihre Werke angemessen monetarisieren zu lassen. Die Frage ist nicht, ob sich das System ändern muss. Viel wichtiger ist, warum es so lange dauert. Bis die großen Player in der Branche gut daran verdienen, bleibt der Reformdruck überschaubar.

Streaming als Millionengeschäft – nur nicht für Musiker

In der Zeit von CDs, Downloads und physischen Tonträgern hatten Musiker eine halbwegs kalkulierbare Einkommensquelle. Heute bestimmen Abodienste den Markt. Theoretisch eine Win-Win-Situation, denn Nutzer zahlen eine monatliche Gebühr und haben unbegrenzten Zugriff auf Musik. Künstler werden an jedem Stream beteiligt. Doch die Realität? Ernüchternd. Die vermeintliche Demokratisierung der Musik hat letztlich vor allem die Machtverhältnisse neu geordnet, nicht aber fairere Bedingungen geschaffen.

Wer von Spotify und ähnlichen Plattformen leben will, braucht astronomische Abrufzahlen. Bei einem durchschnittlichen Vergütungssatz von 0,0029 Euro pro Stream müssen mehr als 345.000 Plays zusammenkommen, um 1.000 Euro einzuspielen. Wer also nicht gerade Welthits landet oder in kuratierten Playlists vertreten ist, verdient kaum etwas. Selbst für etablierte Künstler reicht Streaming oft nicht aus, um ihre Musikproduktion zu finanzieren.

Die Kleinen leiden, die Großen profitieren

Besonders kleine Künstler haben es schwer, denn große Labels verhandeln bessere Konditionen mit den Plattformen und sichern ihren Musikern eine höhere Beteiligung. Unabhängige Musiker hingegen stehen abseits der großen Empfehlungsalgorithmen.

Ohne Platz in relevanten Playlists bleibt ein Song oft ungehört. Das führt dazu, dass viele Künstler gezwungen sind, sich auf andere Einnahmequellen wie Live-Auftritte oder Merchandise zu verlassen, um finanziell über die Runden zu kommen.

Eine mögliche Lösung könnte ein faireres Abrechnungsmodell sein. Dabei würde die Abo-Gebühr eines Nutzers nur an diejenigen Künstler verteilt, die er tatsächlich hört, doch Streaming-Giganten tun sich schwer damit, bestehende Strukturen zu ändern. Schließlich profitieren sie vom aktuellen System, das den Großteil der Einnahmen bei den Plattformbetreibern und Labels belässt.

Softwarebranche mit ähnlicher Problematik

In der Softwarebranche ist das nicht viel anders, doch an manchen Stellen wurde das Problem längst gelöst, und zwar mit klaren Lizenzmodellen. In der Glücksspielbranche tauchen Spiele wie Book of Dead in unzähligen Online-Spielotheken auf, doch nicht jeder Anbieter kann sie einfach so nutzen. Die Entwickler des Spiels verlangen Lizenzgebühren und die Spielotheken zahlen für das Recht, es ihren Kunden anzubieten. Die Höhe dieser Gebühren hängt vom Markt, der Nutzerzahl oder den Vertragsbedingungen ab, doch der Kern bleibt gleich, denn wer ein digitales Produkt dauerhaft verwendet, muss dafür zahlen.

Genau hier könnte die Musikbranche ansetzen und statt sich mit Centbeträgen pro Stream zufriedenzugeben, könnte für bestimmte Nutzungen eine Lizenzpflicht eingeführt werden. Streaming-Dienste, KI-Firmen oder kommerzielle Anbieter, die Musik automatisiert einsetzen, würden dann feste Gebühren entrichten, ähnlich wie es in der Softwarebranche schon lange üblich ist.

KI-Musik als kreative Revolution oder musikalischer Kahlschlag?

Musik aus dem Nichts oder besser gesagt, aus Code. Künstliche Intelligenz kann mittlerweile Songs schreiben, Melodien komponieren und ganze Soundtracks generieren. Was einst nach Zukunftsmusik klang, ist längst Realität. In den letzten Jahren sind KI-Tools immer leistungsfähiger geworden. Die Ergebnisse lassen sich für viele Hörer kaum noch von menschlicher Musik unterscheiden.

Für Hintergrundmusik, Jingles oder Playlists mit Lo-Fi-Beats sind menschliche Künstler schon jetzt oft überflüssig. Ein Algorithmus übernimmt den Job, da er billiger, schneller und endlos skalierbar ist. Doch was bedeutet das für eine Branche, die sich traditionell auf die Einzigartigkeit menschlicher Kreativität verlässt?

Die Frage nach dem Urheberrecht bleibt dabei offen. Gehört eine von KI erstellte Komposition überhaupt jemandem oder ist sie schlicht ein algorithmisches Produkt ohne rechtlichen Schutz? Solange hier keine klaren Regelungen bestehen, bleibt ungewiss, welche Parteien langfristig davon profitieren und welche verdrängt werden.

Das Urheberrecht im KI-Zeitalter und die Frage nach der Inspiration

Kreativität lebt von Inspiration. Doch während ein Musiker von vergangenen Klängen beeinflusst wird und daraus Neues erschafft, geht KI einen anderen Weg. Sie analysiert bestehende Werke, zerlegt Melodien, studiert Songstrukturen und rekonstruiert sie in neuen Kombinationen. Aber ab wann wird Inspiration zu Diebstahl, insbesondere wenn die KI gezielt auf bestimmte Künstler trainiert wurde und deren Stil nahezu perfekt nachahmen kann?

Bisher existiert keine einheitliche gesetzliche Regelung dazu, ob und in welchem Umfang KI-Modelle geschützte Musik als Trainingsmaterial verwenden dürfen. Das Problem ist, dass viele Künstler gar nicht wissen, dass ihre Werke für maschinelles Lernen genutzt wurden. Tatsächlich gibt es kaum Möglichkeiten, diesen Prozess transparent zu verfolgen oder sich dagegen zu wehren. Musikerverbände fordern deshalb eine klare Regelung.

Unternehmen, die bestehende Werke für KI-Trainings nutzen, sollten Lizenzgebühren zahlen. In der EU gibt es erste Bestrebungen in diese Richtung, während in den USA die Diskussion noch am Anfang steht. Doch solange große Tech-Unternehmen an diesen Grauzonen verdienen, wird sich daran kaum etwas ändern.

Neue Vergütungsmodelle und ihre Chancen für Musiker

Dass das aktuelle System dringend reformiert werden muss, ist unstrittig. Viel wichtiger ist die Frage, in welche Richtung die Reformen gehen sollten. Denn ohne wirtschaftliche Anreize für die Plattformbetreiber bleibt die Bereitschaft zur Veränderung gering. Ein denkbarer Ansatz wäre eine verpflichtende Abgabe auf KI-generierte Musik. Plattformen, die automatisierte Kompositionen anbieten, könnten einen Teil ihrer Einnahmen an die Künstler abtreten, deren Werke als Basis für das KI-Training dienten. Doch der Widerstand vonseiten der Unternehmen dürfte groß sein.

Auch Blockchain-Technologien und NFTs werden als mögliche Lösungen diskutiert. Künstler könnten ihre Musik als digitale Güter verkaufen und so direkte Erlöse erzielen, ohne auf Streaming-Dienste angewiesen zu sein. Doch während manche Musiker mit NFTs bereits erfolgreich experimentieren, bleibt der Markt volatil und spekulativ.

Fazit zur aktuellen Situation der Musikindustrie

Streaming hat die Art, wie Musik konsumiert wird, für immer verändert, doch für viele Künstler bedeutet diese Veränderung vor allem eines, und zwar ein massives Einkommensproblem. Ohne eine grundlegende Reform droht eine immer größere Zahl an Musikschaffenden, den Beruf aufzugeben.

KI verschärft die Lage zusätzlich, denn sie eröffnet zwar neue kreative Möglichkeiten, stellt aber gleichzeitig eine finanzielle Bedrohung für diejenigen dar, die bisher von ihrer Musik leben konnten. Solange keine klaren Regeln existieren, bleibt ungewiss, welche Akteure von dieser Entwicklung profitieren und welche auf der Strecke bleiben. Besonders gefährlich wird es, wenn KI-Musik schleichend die Norm wird, ohne dass Musiker eine Alternative zur Monetarisierung erhalten.